La Revolución de los “Televisores Inteligentes”: Conoce el Nuevo “Smart TV” de LG.

La Revolución de los “Televisores Inteligentes”: Conoce el Nuevo “Smart TV” de LG.

El “Smart TV” de LG.

En días pasados, el jueves 17 de noviembre en evento en el Hotel Panamá, fue lanzado el nuevo “Smart TV de LG”, en alianza de contenido con la página web de TVN canal 2, siendo así el primer televisor con un valor agregado multimedia exclusivo a para Panamá.

Sin duda, esto marca todo un avance para la comunicación que llega a la población en general, pero para poder entender el alcance de este importante lanzamiento, tenemos que explicar primero qué es el “Smart TV de LG”. Pues precisamente en el evento de presentación, pudimos comprobar que este producto es el “futuro de la televisión”. El nuevo “Smart TV” de LG es un televisor que le permite al usuario ampliar las posibilidades de entretenimiento e información, a través de la navegación en internet y el acceso a facilidades y contenido multimedia especial. En palabras más sencillas, con el nuevo “Smart TV de LG” puedes buscar, navegar o ver internet, desde la comodidad de tu televisor. Esto se extiende más allá y alcanza alternativas tan convenientes como poder usar, por ejemplo, tu Facebook, Youtube, Twitter, entre otras populares redes sociales. Para las personas que cada vez más se valen de la internet para darse a conocer o impulsar un emprendimiento, inversión o negocio, el nuevo “Smart TV de LG”, se convierte entonces en una herramienta de trabajo y presentación ideal para llevar a un nuevo nivel el desarrollo en la web.

Las ventajas del “Smart TV” de LG se amplían precisamente con el contenido especial que puede accederse a través del mismo, a manera de una facilidad exclusiva que puede visualizarse por este tipo de televisor. Entre este tipo de contenido se encuentran aquellos de índole social y de comunicación, como Skype, de entretenimiento como “degusta”, para escoger opciones de restaurantes, así como “netflix” para alquilar películas y programas de televisión. En cuanto a información, LG para su “Smart TV” ofrece el contenido local de la página web del diario “la prensa” y de “TVN canal 2”.
Sobre el uso y el manejo del “Smart TV” de LG, el mismo presenta un sistema sumamente fácil e intuitivo. La navegación se ha organizado por medio de tarjetas que dividen y clasifican el contenido. Otro detalle de funcionalidad que me gustó mucho del “Smart TV” de LG es la opción de poder ver en las pantallas de este televisor cualquier contenido que tengamos en celulares, computadoras, cámaras digitales, usbs u otros dispositivos de almacenamiento.
Además, no podía faltar en este “Smart Tv” de LG, la capacidad de ver en 3D o tres dimensiones, a través de la tecnología de conversión de 2D a 3D en tiempo real.

La alianza en Panamá de LG con TVN.

La unión de estas dos grandes compañías en Panamá marca una importante realidad, a modo de modelo. Esta realidad y modelo es la inminente revolución de la industria televisiva hacia la internet. En los últimos años hemos sido testigos del desarrollo de los medios digitales, teniendo mayor auge lo relacionado con las redes sociales, convirtiéndonos todos en nuestro propio estilo los protagonistas de una diversidad de contenidos. Hoy el muy visitado sitio de internet de TVN canal dos en Panamá apuesta por esta revolución escogiendo como plataforma la tecnología ofrecida por LG, ofreciendo un contenido informativo multimedia con reportajes noticiosos sobre lo que acontece en Panamá y el mundo, además de programas de producción nacional de corte familiar. Será interesante ver qué otros contenidos pueden desarrollarse al unir la creatividad con las ventajas de la tecnología.

El evento de lanzamiento de El “Smart TV” de LG.

Muy al estilo de LG y su famoso slogan “Life’s Good”, el evento de presentación del “Smart TV” fue verdaderamente excelente. Los asistentes tuvieron la oportunidad no sólo de conocer de primera mano información sobre este televisor inteligente, sino también poder usar esta novedosa tecnología, en medio de un ambiente agradable, así como moderno. Al final de la noche se realizó una rifa entre los asistentes de un “Smart TV”. No nos los llevamos, pero les aseguro que como un medio digital, seguiremos muy de cerca toda esta nueva tecnología que eleva el contenido en internet al más sofisticado nivel.

Compartimos más imágenes del nuevo “Smart TV” de LG en el evento al que asistimos, en el “álbum de aniversario de nuestro grupo de Facebook”, el cual incluye información de tecnología como parte del contenido especial por nuestro primer año de panamaenacuarela.com. Los invitamos a seguir siendo parte de “Panamá,en Acuarela”. Pueden acceder al álbum a través del siguiente enlace:

http://www.facebook.com/media/set/?set=a.307111715982614.94158.147504161943371&type=3&l=047d1b3ace

Un saludo cordial para todos,

Melissa G.

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El Marco le da la Personalidad a la Acuarela. (¿Pero la personalidad de quién?).

El Marco le da la Personalidad a la Acuarela. (¿Pero la personalidad de quién?).

El trabajo que hacemos en “Panamá, en Acuarela: Obra de Melissa Guardia” tiene entre uno de sus objetivos promover la técnica de la acuarela, la que usualmente se desconoce, pero cuando presenta ante los ojos del público, cautiva con su presencia. También es nuestro deseo que la acuarela sea una forma de arte que las personas aprecien y aspiren a incluirlas en sus colecciones e inversiones para adquisición de arte. En este proceso de dar a conocer la acuarela, aparece la necesidad de enmarcar este tipo de trabajo para su presentación y es ahí donde surgen consultas o preguntas, de las cuales podemos derivar una serie de recomendaciones o datos.
Para empezar, podemos indicar que el enmarcado o marco que se le coloque a una obra en acuarela, puede brindarle personalidad. Pero estamos hablando de la personalidad del ambiente, espacio o lugar donde vamos a colocar la obra. La pintura en sí ya tiene el estilo, el tema, el carácter; es como cuando alguien se viste según la ocasión y lo que le gusta y los accesorios terminan de dar ese último toque que define y enlaza todos los elementos. Lo mismo sucede al enmarcar una obra en acuarela.
Por ejemplo, en nuestro “Bazar, en Acuarela”, tenemos tanto obras originales de tamaño medio a grande, como reproducciones en tamaño “8.5 pulgadas por 11 pulgadas” y “5 pulgadas por 7 pulgadas”. Estas piezas en formato chico son ideales para explicar la “personalidad que puede añadir un marco”. Por ejemplo, este tipo de obras ofrecen una versatilidad: Pueden utilizarse para cubrir un espacio mediano a través de un recuadro o viñeta ancha más el marco; como también pueden ser una delicada pieza que forme parte de una serie de cuadros que se arreglen en una pared, como también puede ser un elemento que se coloque sobre un mueble, siguiendo el estilo más actual donde las obras de arte ocupan sitios distintos a estar colgados contra una pared, (sobre un mueble de cualquier alto, hasta contra otra pieza de mobiliario y apoyado en el piso)

Las nuevas tendencias en decoración también han ayudado a darle al comprador o dueño de piezas de arte, opciones para hacer más versátil su adquisición. Por ejemplo, un enmarcado de juego de recuadro o viñeta ancha en tono blanco, más marco en el mismo tono, nos da una presentación de personalidad muy limpia, moderna, que ayude a que la pieza se convierta en un punto focal, a la vez que le permite ocupar más espacio en un ambiente o pared, sin que se perciba forzado. Por el contrario, este estilo es ideal para decoraciones de todo estilo, ya que por el tamaño va bien tanto para las decoraciones de pocos elementos, como aquellas más eclécticas o que combinen diversos estilos; y por el tono blanco, cualquier gama de colores que se usen en paredes, muebles y accesorios irá a juego con nuestra pieza de arte.
La personalidad de un marco para una obra en acuarela, puede llevar a la obra a diferentes estilos. Los tonos metálicos clásicos en el orden de los dorados y plateados siempre serán notas de elegancias para una pintura. Diseños de aire antiguo son válidos en la actualidad para lo más tradicional, como lo más actual donde se mezcla lo moderno con lo clásico. Texturas y combinación de tonos en los marcos más su viñeta o recuadro son elementos que añadan novedad a la personalidad que un enmarcado le brinda a la acuarela, como toque final. Espero que estos datos los entusiasmen a apreciar y a adquirir una pieza de arte,

Melissa G.

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Usar una Nueva Gama de Colores, (Un reto para saber cómo reinventarse).

Usar una Nueva Gama de Colores, (Un reto para saber cómo reinventarse).

Cuando uno comienza a desarrollar su propio estilo en el arte, uno de los elementos más característicos en la obra de autoría propia es el color. En mi caso, siendo de Panamá, gustándome el color, teniendo como profesión la arquitectura, los colores intensos han caracterizado mi trabajo en la acuarela. Pero tras varias temáticas y colecciones, le llega a todo creativo buscar la reinvención. Es frecuente escuchar hablar sobre ese tema de “reinventarse” en todas las facetas, desde los cantantes, diseñadores, hasta cualquier persona que desea un cambio que lo lleve a la innovación. En la pintura es lo mismo y una buena forma para empezar esa transformación es usar “una nueva gama de colores”.
Todo artista debe ver la búsqueda de la reinvención como un reto que lo motive, no que destruya su estilo. Creo que la mejor forma de explicarlo es describiendo un sencillo ensayo que hice, utilizando una gama de colores totalmente distintas a la que usualmente empleo. De esa forma, tonos como: Crema, tierra, arena, grises, azul, negro, fueron los protagonistas de una obra nueva en acuarela. Nada de tonos intensos como fucsia, rojos, verdes, amarillos, naranjas, sólo esa gama que al verla en la paleta, representaba un cambio y un reto motivador: ¿Cómo se vería la obra final con estos colores?
El tema de la obra fue una porción de la fachada de la Catedral Metropolitana. La parte arquitectónica es un elemento importante en mi trabajo en acuarela. Eso lo mantuve y creo que es importante señalar que al reinventarse, hay que mantener elementos que lo motiven a uno a trabajar y que también ayuden a los demás a seguir identificando el resultado de la obra como propia. No se trata de hacer un cambio que no se identifique con el estilo propio, sino que le añada posibilidades. De ahí que esa porción de la fachada de la Catedral Metropolitana en el Casco Antiguo de la ciudad de Panamá, Panamá, la fui construyendo poco a poco en acuarela, con esos tonos que reflejan el contenido histórico y el paso del tiempo en una obra insigne de la ciudad.
Creo que de este ensayo en acuarela que hice la presencia de un azul intenso en los ventanales de la catedral, la primera sección que pinté en este cuadro, fue de gran ayuda para tanto mantener algún elemento que siguiera siendo muy característico de lo que el público ha conocido en mi obra. También me ayudó para ir poco a poco adaptándome a usar colores diferentes, hasta llegar a tener que manejar los tonos grises con la misma variedad con la que me gusta manejar un rosa intenso tipo “permanent rose, un tono usual en marcas de acuarela”.
Fue así como a base de tonos grises, intercalados con tonos arena, tierra, y el uso de negro para darle ese efecto de desgaste por el paso del tiempo más el juego de luces y sombras que fácilmente encuentras cuando tomas fotos a los edificios del Casco Antiguo de Panamá, el resultado final llegó y la obra se completó. Sentí que seguía dentro del tipo de colecciones y pinturas en acuarela que he hecho, pero con su identidad y evidente innovación. Pienso que de eso debe tratarse la reinvención y para compartir con ustedes todo el proceso, les adjunto el enlace al "álbum de facebook", con las fotos paso a paso de la creación de este trabajo con nuevos colores en acuarela. Esto de compartir los álbumes que voy creando en facebook es también parte de la reinvención de este blog o bitácora que he vuelto a retomar.

Saludos desde Panamá,

Melissa G.

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Ando Pintando un Guayacán-Parte 2: (Color).

Ando Pintando un Guayacán-Parte 2: (Color).

Finalicé el trabajo de pintar en acuarela un árbol Guayacán. Como me he dispuesto, me gusta compartir consejos extraídos del proceso que realizo para lograr una pintura con esta técnica. En esta segunda parte del artículo anterior, “Ando pintando un Guayacán-Parte I”, el tema principal es el color. Lograr el color correcto de un árbol con flores amarillas como el Guayacán es primordial para tener un buen resultado, pero ése no es sólo el único detalle. También es importante lograr la idea de volumen, usando precisamente el color. Completar detalles finales en la pintura de un árbol, como ramas y tronco, hace que toda la composición quede balanceada. A continuación, datos importantes sobre estos temas que pueden poner en práctica: 1. Lograr el tono correcto: Para el caso de un Guayacán, con flores amarillas, (aunque se piensan que son hojas de ese color), es primordial no equivocarse en el tono. No estamos hablando de un árbol otoñal, así que no debemos usar un amarillo con toques de naranja o con una notoria presencia de anaranjado. Por el contrario, necesitamos un color “amarillo intenso”. La mejor forma de lograr esto es observar imágenes de referencia sobre el árbol que estemos pintando. También una buena medida es ir aplicando una primera capa base, en una sección determinada y en un tono suave, para ir viendo el tono logrado. De ser correcto el tono, se puede proceder a seguir aplicando en el resto del dibujo y continuar aplicando color en mayor intensidad, en especial para ir reproduciendo la idea de volumen.
2. Crear la Sensación de Volumen: Al pintar un árbol es primordial crear la idea de volumen, ya que estamos hablando de una forma que no es plana, o que tiene sólo dos dimensiones. Las copas de los árboles son el producto de la unión de hojas o flores, (como en el caso del Guayacán), en diversos niveles de profundidad y altura. No basta con sólo aplicar color que sea igual al que tiene el árbol en su follaje o floración, se necesita lograr, usando diversas tonalidades, la superposición de hojas más lejanas y más cercanas, para crear la sensación de volumen. Esta unión de capas más claras y oscuras, permite reflejar lo que hace la misma luz natural sobre los grupos de hojas o flores de un árbol. Recordando lo que hablamos en la “primera parte del artículo Ando pintando un Guayacán”, se nos facilitaba hacer el dibujo de las hojas agrupándolas en secciones o conjuntos. Podemos aprovechar estas secciones para ir creando áreas más claras, versus más oscuras, que dan la idea de un puñado de follaje por cada grupo. Poco a poco vamos construyendo una pintura que adquiere las tres dimensiones que tiene un árbol, en lugar de una figura meramente plana.

3. Finalizar Detalles y Observar los Contrastes de Color: Terminar detalles como las ramas y troncos es esencial para completar la escena de un árbol. Aplicando los mismos conceptos empleados para pintar la copa de un árbol, podemos detallar las ramas y troncos. Una línea más oscura al tono empleado delineando un lado de las ramas, por ejemplo, convierte a esta parte de la pintura, de una simple línea, a una forma en tres dimensiones; en especial porque se crea la sensación de que la línea es cilíndrica, (como son las secciones de las ramas y troncos), en lugar de plana, sólo con este pequeño dato.
Otro detalle a considerar es que al finalizar la pintura, estudies la mezcla de colores en la escena, en especial aquella sacada de la misma asociación de elementos de la naturaleza. En esta ocasión, un árbol Guayacán en floración, con su amarillo intenso, contrasta con el cielo al fondo y lo fuerte del chocolate oscuro y sus sombras más profundas, le otorgan el medio de unión y balance entre estos dos tonos predominantes. Amarillo intenso, celeste turquesa, chocolate oscuro, una combinación quizás no pensada inicialmente como ideal, pero sorprendentemente atractiva y balanceada, descubierta cuando uno anda pintando un Guayacán.
Más imágenes en nuestro álbum de Facebook: "Desde el Taller". Que disfruten estos consejos, sea pintando o admirando el trabajo de arte,

Saludos cordiales,

Melissa G.

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No las dejes de Imprimir (Las fotos en tu cámara o en tu computadora).

No las dejes de Imprimir (Las fotos en tu cámara o en tu computadora).

Me gusta compartir con ustedes ideas prácticas no sólo sobre el arte, sino también sobre la tecnología, ya que la misma es la fuente actual de nuevas herramientas para el creativo. Y una cámara digital o una computadora es lo que más comúnmente empleamos para facilitarnos la vida o para hacer más práctico cualquier actividad que emprendamos. Por alguna razón u otra, bien sea laboral o de esparcimiento, necesitamos tomar fotos y la tecnología ha hecho que pasemos de la cámara a la computadora para almacenar y manejar nuestras imágenes, ¿pero dónde quedó el tener que imprimir las fotos?
La verdad es que muchas veces nuestras fotos se quedan almacenadas en la computadora. Esto es útil para poder tenerlas a la mano cuando la necesitemos, en especial para incorporarlas en algún material que estemos preparando. Y es que salvo la presentación de un informe o trabajo asignado, las fotos que tomamos rara vez las imprimimos. Con el desarrollo de las redes sociales, nuestros fotos se comparten al instante, pero siguen con frecuencia quedándose en mera información virtual, sin convertirse en las clásicas fotos que almacenábamos antes en álbumes para verlas y sobre todo, para convertirlas en nuestra mejor fuente de referencia o en nuestros mejores recuerdos.
Hay varias razones ventajosas para que imprimamos nuestras fotos, en especial cuando recurrimos a un centro de impresión de nuestra localidad. Entre ellas, podemos mencionar:

1. Al imprimir nuestras fotos en un centro especializado, podemos obtener fotos de muy buena calidad, en especial por el papel utilizado, ya que se emplea regularmente al hacer nuestro pedido, papel fotográfico de alta calidad, sea mate o en brillo, lo que da una mejor presentación a nuestras imágenes en comparación al imprimirlas en papel regular.
2. Y precisamente al recurrir a un centro de impresión, hay una relación calidad-precio que se puede traducir en ahorro, ya que no gastamos nuestra impresora personal o de oficina y a su vez se emplea un papel fotográfico que no es el que convencionalmente usamos, lo que se convierte en una inversión práctica con un resultado superior al que tendríamos si emprendemos el trabajo con nuestros recursos. Esta ventaja aumenta sobre todo al tratarse de un volumen considerable de imágenes.
3. Lo anterior no significa que no podamos imprimir nuestras fotos en casa u oficina, sólo basta conseguir una buena impresora y papel especial para fotos. Si es un volumen pequeño que podemos manejar, bien vale emprender este trabajo. Lo importante es que tengas tus fotos a mano, lo que te permitirá contar con esa información que bien puede convertirse en un catálogo de referencia de tu trabajo, o en un álbum familiar para compartir, a modo de un libro al cual tener acceso, con nuestros mejores recuerdos.

Con estas ventajas sobre por qué imprimir nuestras fotos, me parece propicio mencionar algunas recomendaciones, en especial para imprimir un gran volumen de imágenes en un centro especializado para estos fines en un comercio local. Ten en cuenta lo siguiente:

1. Si tienes muchas fotos por imprimir, puedes buscar ofertas donde se reduzca el precio unitaria de impresión según el volumen a producir. Para el caso de fotos familiares, de vacaciones o de algún evento, es recomendable esperar hasta encontrar una buena oferta, ya que esto nos producirá ahorro.
2. Los centros de impresión de fotos usualmente trabajan con máquinas especializadas donde descargamos nuestras fotos, siguiendo pasos dentro de un programa o sistema creado para tal fin. Es recomendable que antes de dirigirte a imprimir, te informes sobre los requisitos o particulares para imprimir en un centro, así como también de averiguar si te pueden brindar asistencia para aprender a manejar estas máquinas y su sistema de impresión.
3. Lo más importante al dirigirte a un centro de impresión, es saber que tienes que llevar tus fotos en algún dispositivo para descargar tus imágenes, sea desde una cámara, un “usb, cd o dvd”, tarjeta de memoria o similar. Un consejo práctico es llevar tus imágenes usando dos de estos medios, para que si falla alguno por razones de compatibilidad con el sistema o máquina del centro de impresión, tengas a la mano otra opción que te permita bajar o descargar tus fotos.

En el mundo actual, la tecnología nos permite tener una infinidad de imágenes o fotos en dispositivos tan portátiles como las nuevas “tablets o tabletas”, pero cuando requerimos revisar fotos en un ambiente donde resulte más práctico un álbum o catálogo impreso para no estar cuidando una delicado aparato tecnológico, tener fotos impresas es una buena opción. Piensa, por ejemplo, cuando estás en un ambiente laboral con agua y líquidos cerca, como un taller de arte; tener imágenes impresas es de gran ayuda para facilitarte tus labores, sin tener que preocuparte porque se te dañe algún aparato tecnológico. Que no se queden tus fotos sin imprimir. Un saludo cordial,

Melissa G.

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Ando Pintando un Guayacán-Parte 1.

Ando Pintando un Guayacán-Parte 1.

Sigo deseando compartir con ustedes lo que hago en mi trabajo con la acuarela. En esta ocasión ando pintando un Guayacán. Para los que no conocen qué es un Guayacán, en especial a los que están conociendo un poco más sobre mi país Panamá, puedo decirles que un Guayacán es un árbol muy común de países tropicales, pueden ubicarse en varios localidades desde México hasta Perú, para que tengan un ejemplo.
Lo que hace particular al Guayacán, es el colorido de sus flores. Su inconfundible amarillo pinta los paisajes de una manera única y especial, por eso fue un tema que me pareció perfecto para convertirlo en una obra con acuarela. El tema del color amarillo de un Guayacán es el que hablaré en el próximo artículo, para esta primera parte quiero darles unos datos prácticos para aprender un poco más sobre cómo pintar un árbol, cualquiera que sea su especie. Es que particularmente, los árboles presentan una forma que hace cualquier ensayo de dibujo y pintura, algo muy interesante. Sin darnos cuenta, podemos aprender sobre lo que yo personalmente llamo, la “arquitectura de los árboles”. Mi obra en acuarela siempre tiene algo de arquitectónico, por lo menos eso me han dicho y seguramente responde a mi carrera profesional, por lo que analizar en términos de arte un árbol, puede ayudarme a interpretar estos elementos de la naturaleza como estructuras muy complejas e interesantes, con varios elementos que conforman el volumen que en sí poseen.
Para hacer más sencilla la explicación, aquí les anoto unos datos sobre cómo hacer para empezar a trabajar un árbol con cualquier técnica de dibujo y pintura, aplicable obviamente también, a la acuarela:
1. Lo primero que lógicamente deben hacer, es dibujar un árbol. Parece cosa sencilla, pero para lograr un verdadero realismo, hay que reproducir las hojas de manera que se vea el árbol, tan coposo o abundante, como es. Un consejo bien práctico es dibujar las hojas en pequeños grupos delineados. Ejemplo, si estás reproduciendo por el método de calco la foto de un árbol, marca con un lápiz o marcador, grupos de hojas, a modo de estar creando un conjunto de trazos curvos que sumados todos van a dar la idea de la frondosa copa de un árbol. Esto es más práctico que intentar reproducir hoja por hoja, serían muchas líneas y complicaría al momento de pintar.
2. Lo segundo a considerar es que un árbol siempre es un volumen de tres dimensiones que está en medio de un paisaje. La idea más simple de un árbol es quizás un trazo de un tronco y la copa, pero en sí un árbol posee un gran volumen y detrás del mismo permite ver el paisaje a su alrededor. Por tal razón, lo primero que debemos pintar es todo lo que esté detrás de nuestro árbol, en nuestro dibujo. Casi siempre detrás de un árbol lo que se percibe entre sus hojas y ramas es el cielo, así que eso es lo primero que debemos definir.

3. Al definir el cielo, de inmediato el dibujo cobra más sentido. Ese grupo de hojas delineados en los conjuntos de trazos curvos, tal como les explicaba anteriormente, ya se entiende mejor como un árbol. Es casi un efecto inmediato que sólo se logra aplicando un poco de lógica, ya que el cielo es lo que está detrás de un árbol. El siguiente paso en la estructura de la “arquitectura de un árbol” es definir las ramas. Esto implica un trabajo de pintura de mayor precisión. Aquí es donde un árbol comienza a ser un reto de arte un poco más complejo. Para las ramas, se requieren trazos finos y precisos, por lo que un pincel que nos permita este tipo de líneas, es el ideal. Un pincel delgado y sobre todo, que manejemos con comodidad, es la mejor herramienta para tal fin. Analizar el tema de las ramas va muy de la mano del tipo de árbol que se esté pintando, en el caso del Guayacán, una mezcla de chocolate oscuro con un poco de negro, produce el tono lo suficientemente oscuro para dar la idea de las ramas, sin perder los tonos chocolates propios de la corteza de los árboles.

El árbol que estén pintando pueden tener un número variado de ramas, pueden tener unas cuantas o quizás varias. Lo que sigue después es el tema del color, y para el Guayacán todo se trata de lograr el amarillo correcto. Esto lo veremos en el próximo artículo. Sigo por mi parte pintando el Guayacán. Como siempre, pueden ver más imágenes del trabajo con acuarela de este tema en “nuestro álbum de Facebook”. Están invitados también a seguirnos en esta red social.

Un saludo desde Panamá,

Melissa G.

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¿Qué Obras hay en el taller de un artista? (Y cómo todos pueden pintar una obra similar).

¿Qué Obras hay en el taller de un artista? (Y cómo todos pueden pintar una obra similar).

Puede ser que en alguna ocasión te hayas preguntado qué obras tiene un artista en su taller. Si no te has hecho esta pregunta, puede resultarte de todas formas interesante saber qué cuadros coloca un artista en su área de trabajo. Pues aparte de su obra y por varias razones, un artista decora su ambiente laboral con sencillos ensayos de color, que prácticamente cualquier persona puede emprender por su propia cuenta.
En primera instancia, un artista siempre tiene que organizar su tiempo para poder tener la oportunidad de dedicarse a su arte, por otra parte, también aspira a que las obras de su autoría vayan poco a poco siendo adquiridas, así que el material de arte que engalana su taller tiende a ser de otro estilo que su obra tradicional o insigne. Cuando el artista decide pintar algo para tenerlo a mano en su lugar de trabajo, lo que realiza son “ensayos o experimentos”.
Un ensayo o experimento artístico es una manera muy conveniente de hacer dos cosas básicas: Practicar la técnica utilizada y tener un material de referencia que no sólo sirva de guía, sino que también decore el taller de trabajo. La acuarela es ideal para hacer este tipo de ejercicios de arte y lo más interesante es que cualquier persona puede ponerse manos a la obra y sorprenderse a sí misma creando una obra sencilla, pero interesante y a su vez pasando de la teoría a la práctica sin mucha complicación.
A continuación, enlistamos una serie de pasos que todos podemos seguir para hacer un “ensayo de color con acuarela”. Recuerden que esta técnica es ideal para este tipo de ejercicio por ser muy limpia, práctica, amigable de trabajar en cualquier ambiente e ideal para hacer trazos rápidos. Para hacer un “ensayo de color con acuarela” puedes seguir estos sencillos pasos y consejos:

1. Aproveche usar algún pedazo de papel que te haya sobrado por haber hecho un recorte a una hoja más grande o utiliza una de tamaño mediano a pequeño proveniente de alguna libreta de tamaño 8.5” x 11” u 11” x 17”, para dar un ejemplo.

2. Emplea un lápiz muy suave para crear una forma interesante que produzca áreas o secciones donde aplicar color. Mientras más interesante la forma, más atractivo el resultado. Inspírate en la forma de algún objeto o silueta muy estilizada para darle un mayor efecto a tu obra.

3. Escoge varias tonalidades o colores que utilizar. Recuerda que es un ensayo o un experimento, así que no hay límites, es la oportunidad para probar diferentes combinaciones de colores.

4. Usa varias intensidades y efectos: Si vas a hacer un ensayo de este tipo y con acuarela, la idea es que pintes con total libertad y probando usar colores en diferentes tonalidades, mezclarlos entre sí, aplicar diferentes capas y lo que se te ocurra. Y no importa que no sepas pintar profesionalmente, la idea es que descubras por ti sólo qué resultados se pueden obtener a partir de la técnica que uses. Un buen punto de partida es que escojas los colores y apliques una capa base, como se muestra en la foto:
De ahí dejas secar y sigues aplicando color con las mezclas e intensidades que desees. A partir de los resultados, tu obra te puede servir como un material de referencia que te indiquen diferentes conceptos, por lo que te recomendamos leer la siguiente lista y observar los ejemplos que ilustran este artículo.

1. Saber cómo se comportan los materiales y pinturas: Al usar la acuarela en sus diferentes tonos o colores disponibles, podrás ir descubriendo qué colores se vuelven más transparentes, cuáles son más intensos, cuáles dejan como una textura en el papel y cuáles otros dejan un efecto más parejo. Esto es algo que se aprende con la práctica, pero tener una pintura pequeña en tu área de trabajo que te sirva de guía es de gran utilidad a la hora de saber qué efecto vas a lograr con determinada pintura escogida.

2. Encontrar buenas combinaciones de color: Tan sencillo como que jugando con colores, puedes encontrar combinaciones diferentes y realmente bonitas. Eso me pasó con ambos ensayos que ilustran este artículo.

3. Aprender a crear una buena composición: Hay varios factores que hacen de un trabajo de arte un éxito y uno de ellos es la composición, la suma de los elementos presentes en la obra. Al trazar formas interesantes para rellenarlas de color, uno aprende poco a poco a saber cómo crear formas que te ayuden a crear un trabajo interesante. Para ambos ensayos, usé líneas curvas en ambas direcciones y en especial para el que se ilustra abajo en el artículo, usé un poco la forma de “s” acostada que geográficamente tiene el territorio de Panamá, unido a otras líneas.

4. Por último, enmarcar de la mejor manera tu obra para ponerla en el taller: En ambos ejemplos colocamos digitalmente un marco, pero reproduciendo materiales y estilos muy convenientes para estos ensayos que se colocan en un ambiente de taller de arte. En el que encabeza el artículo, usamos un marco grueso de un material tipo cartón en tono neutral o gris. En el otro ensayo en la parte posterior, un efecto de marco transparente con un recuadro pequeño usando una línea blanca, estilo que puedes reproducir también uniendo cartón con alguna filmina o lámina transparente que cubra la obra. Ambas opciones no sólo son prácticas y adecuadas para el estilo bohemio de un taller, también saca partido de la composición y colores de los ensayos, resaltándolos. Y precisamente eso es lo que debe hacer un marco: Resaltar la obra y combinar con el ambiente.

Deseamos que este artículo los anime e inspire a emprender su propio ensayo de color y comenzar a armar su taller de arte. Tenemos en nuestra página de Facebook un álbum de nombre: “Desde el taller” con imágenes y recomendaciones sobre materiales básicos de arte y también para oficina o estudio de trabajo; así como fotos sobre este ensayo de color que le mostramos.

Un saludo desde Panamá,

Melissa G.

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